Neoexpresionismo

El neoexpresionismo es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos.
Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta. El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda.
El neoexpresionismo se inspira en el expresionismo alemán y sus exponentes, Emil Nolde, Max Beckmann, George Grosz, además de otros artistas con estilo altamente emotivo como James Ensor y Edvard Munch; igualmente se nutren del arte tradicional, especialmente el germánico: Durero, Bruegel, El Bosco, Rembrandt. De todas formas, al contrario que la transvanguardia italiana, los neoexpresionistas no rompen con el arte de su país inmediatamente anterior a ellos, aceptando como maestro al gran artista alemán de los setenta, Joseph Beuys.

Son varios los artistas del expresionismo que sirven de guía a los neoexpresionistas: Max Beckmann, James Ensor, George Grosz, Edvard Munch o Emil Nolde. Sin embargo, los Die Neue Tilden (Nuevos Salvajes), denominados así por Wolfgang Becker, poseen frente a los creadores vanguardistas un carácter aún más libre. Entre los mejores representantes americanos del neoexpresionismo se encuentran: David Salle y Julian Schnabel, aunque hubo una vertiente muy particular, cargada de humor e ironía, representada por Keith Haring y Jean-Michel Basquiat; en el caso de Alemania destaca el trabajo de Georg Baselitz, Jorg Immendorff, Anselm Kiefer, A. R. Penck mientras que Sandro Chia y Francesco Clemente representan las figuras italianas más

Jörg Immendorff:

Jörg Immendorff (Bleckede, 14 de junio de 1945 - Düsseldorf, 28 de mayo de 2007) fue un pintor neoexpresionista alemán.
Discípulo de Joseph Beuys, formado en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, fue uno de los más destacados pintores alemanes de la posguerra al que se le encuadra en la escuela de los denominados nuevos fauves. Del conjunto de su obra destaca la serie de la década de 1970 titulada Café Deutschland (ver arriba), donde trataba la división entre la República Federal de Alemania y la República Democrática. Amigo personal del ex Canciller de Alemania, Gerhard Schröder, uno de sus últimos trabajos fue la realización de un retrato del mismo una vez concluido su mandato para la denominada Galería de los cancilleres en Berlín. Fue profesor de la Academia de Bellas Artes de Múnich.
En el ámbito político, fue un maoísta confeso, muy crítico con el pasado nazi alemán y un ferviente defensor de la protección del medio ambiente.


Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Neoexpresionismo
http://www.masdearte.com/index.php?option=com_content&view=article&id=7915&Itemid=8
http://es.wikipedia.org/wiki/J%C3%B6rg_Immendorff

Hiperrealismo

Conocido también como realismo fotográfico o realismo radical, el Hiperrealismo es la escuela pictórica de tendencia realista más absoluta de la historia. El Hiperrealismo pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes.
Nacido en la West-Coast de los Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX, el hiperrealismo se promovió en Europa por la V Documenta (1972) de Kassel y fue confirmado por la exposición que Uldo Kulterman presentó en París bajo ese nombre.
Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.
En América del Norte, el hiperrealismo se trabajaba a partir de la reproducción pintada de los objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes al Pop art. En esta línea encontramos la reproducción manual de fotografías, lo que constituye la esencia del hiperrealismo americano. Check y Don Eddy nos ofrecen en sus imágenes aquellos aspectos aburridos característicos de la civilización de masas con la misma objetividad de una cámara fotográfica que funciona mecánicamente. De hecho, transfieren a la plástica vivencias adquiridas en la cultura de la imagen.
En Europa, en cambio, el hiperrealismo no suele tener connotaciones del pop art y se impregna de un lirismo casi surrealista.

Aristas hiperrealistas: D. Hanson, J.Salt, D. Eddy, C. Clarke, J. de Andrea, J. Harvorth, A. Dworjowitz y Antonio López

Antonio López Garcia:
Pintor español nacido en Tomelloso, Ciudad Real. Se formó en un principio junto a su tío Antonio López Torres, también pintor. En él ejerció notable influencia la obra de Salvador Dalí de quien toma el gusto acusado por la realidad y el predominio del dibujo sobre la pintura. Entre 1950 y 1955 realizó estudios de pintura en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. La temporalidad y el deterioro de lo material son notas que definen su estilo hiperrealista.
López es un artista que busca, dentro de la realidad que le rodea, los aspectos más cotidianos tratados con un enorme detallismo fotográfico. Es considerado el padre de la escuela hiperrealista madrileña y su estilo ha influido en artistas como Toral o Villaseñor.

Un ejemplo de sus obras es "La Gran Vía" (ver imagen arriba) en la que reproduce con exactitud casi fotográfica la calle madrileña.
Fotografía real de la calle en la actualidad:



Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Hiperrealismo
http://www.artelista.com/hiperrealismo.html
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=297

Happenings

Happening (de la palabra inglesa que significa evento, ocurrencia, suceso)es una manifestación artística, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en los 1950 caracterizada por la participación de los espectadores. Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación.
La propuesta original del happening artístico tiene como tentativa el producir una obra de arte que no se focaliza en objetos sino en el evento a organizar y la participación de los "espectadores", para que dejen de ser sujetos pasivos y, con su actividad, alcancen una liberación a través de la expresión emotiva y la representación colectiva. Aunque es común confundir el happening con la llamada performance el primero difiere de la segunda por la improvisación o, dado que es difícil una real improvisación, por la imprevisibilidad.
El happening en cuanto a manifestación artística es de muy diversa índole, suele ser no permanente, efímero, ya que busca una participación espontánea del público. Por este motivo los happenings frecuentemente se producen en lugares públicos, como un gesto de sorpresa o irrupción en la cotidianidad.

Algunos aristas de este movimiento son: Allan Kaprow, Marta Minujín, Joseph Beuys y Wolf Vostell.

Allan Kaprow (23 de agosto de 1927 - 5 de abril de 2006) fue un pintor estadounidense pionero en el establecimiento de los conceptos de arte de performance.
Allan Kaprow ayudó a desarrollar las instalaciones artísticas y los happenings a fines de los años cincuenta y sesenta. Sus happenings, alrededor de doscientos, fueron evolucionando a lo largo de los años. Con el tiempo, Kaprow cambió su práctica en lo que él llamó «Actividades», relacionando íntimamente piezas para uno o varios jugadores y dedicadas al examen de los comportamientos y hábitos cotidianos de una manera casi indistinguible de la vida ordinaria.
Estudió composición con John Cage en su famosa clase en la New School for Social Research, pintura con Hans Hofmann e historia del arte con Meyer Schapiro. Los trabajos de Kaprow intentan integrar el arte y la vida. A través de happenings, la separación entre vida y arte, el artista y el público se vuelve borrosa. Es célebre su frase «La línea entre el arte y la vida debe mantenerse tan fluida, y quizás indistinta, como sea posible»

"Fluidos"(Fluids en inglés) es uno de los happenings realizado por Kaprow en el año 1967 cuando equipos de voluntarios construyeron estructuras rectangulares de hielo por toda la ciudad de Los Ángeles.

En este video puede observarse una nueva versión de la obra original


Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Happening
http://arte-planetario.blogspot.com/2007/11/investigacin-performance-art-happenings.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Allan_Kaprow
http://www.martaminujin.com/portal/index.php?option=com_content&view=section&layout=blog&id=12&Itemid=176

Arte cinético

El arte cinético es una corriente de arte en que las obras tienen movimiento o parecen tenerlo.
El arte cinético está principalmente representado en el campo de la escultura donde uno de los recursos son los componentes móviles de las obras. Pictóricamente, el arte cinético también se puede basar en las ilusiones ópticas, en la vibración retiniana y en la imposibilidad de nuestro ojo de mirar simultáneamente dos superficies coloreadas, violentamente contrastadas. Las primeras manifestaciones de arte cinético se dan en los años 1910, en el movimiento futurista y en ciertas obras de Marcel Duchamp. Más adelante, Alexander Calder inventa el móvil, un tipo de escultura formada por alambre y pequeñas piezas de metal suspendidas que son movidas ligeramente por el desplazamiento del aire ambiente. La expresión arte cinético es adoptada hacia 1954, para designar las obras de arte puestas en movimiento por el viento, los espectadores y/o un mecanismo motorizado.
Para generan sensaciones de movilidad sus autores pueden utilizar técnicas ópticas (juegos de luces y sombras, contrastes de tamaños, texturas y colores) o bien introducir movimiento físico, a través de la incorporación de motores o electro imanes, movimiento que también puede lograrse sin energía mecánica, por corrientes de aire, cambios de temperatura etc...
El arte cinético fue una corriente muy en boga desde la mitad de los 60 hasta mediados de los 70.

Algunas artistas más importantes que han contribuido con sus creaciones al movimiento del arte cinético son:

- Antonie Pevsner, Naum Gabo, Lazslo Moholi-Nagy, Giacomo Balla, Alexander Calder, Man Ray, Marcel Duchamp, Salvador Dalí.

Alexander Calder:

Alexander Calder (22 de julio de 1898, Lawnton, Pensilvania - 11 de noviembre de 1976, Nueva York) fue un escultor estadounidense.
Hijo y nieto de escultores, siendo su madre pintora. Estudió ingeniería mecánica y en 1923, asistió a la Liga de Estudiantes de Arte de Los Angeles, donde fue influenciado por artistas de la escuela Harry P.
En 1885, contribuyó con ilustraciones para la National Police Gazette. En 1926, se trasladó a París y comenzó a crear figurillas de animales de madera y alambre; de aquí fue que desarrolló sus famosas miniaturas circenses. En los años 1930, se hizo célebre en París y los Estados Unidos por sus esculturas de alambre, al igual que por sus retratos, sus bosquejos de línea continua y sus abstractas construcciones motorizadas.
Es mejor conocido como el inventor del móvil (juguete móvil colgante), un precursor de la escultura cinética. También elaboró obras esculturales inmóviles, conocidas como stabiles. Aunque los primeros chupines y stabiles de Calder fueron relativamente pequeños, poco a poco fue dirigiéndose hacia la monumentalidad en sus trabajos posteriores.
Los móviles de Calder (como el que se encuentra arriba) son estructuras de formas orgánicas abstractas, suspendidas en el aire, que se balancean suavemente. Su arte fue reconocido con muchas exhibiciones de gran envergadura.

Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_cin%C3%A9tico
http://www.artedehoy.com/html/artecinetico.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Alexander_Calder
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=203

Arte óptico

El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en los Estados Unidos en el año 1958, conocido mayormente por su acepción en inglés: Op Art; abreviación de Optical Art. El Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas.
Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica.
Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión.

El padre del opt-art:

Vásárhelyi Győző, mayormente conocido como Víctor Vasarely (Pécs, Hungría, 9 de abril de 1908 - Francia, 15 de marzo de 1997) fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del Op Art.
Obra de Vasarely expuesta en Hungría.
Comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la escuela de Muheely (principios de la Bauhaus), fundada en Budapest (Hungría) por un alumno de la Bauhaus. Le atrajeron Mondrian y Malévich y se interesó por la astronomía.
Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op art. Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas).

Una de sus obras de opt-art es la que se encuentra arriba, que cumple con las típicas características del arte óptico: formas repetitivas que simulan movimiento y la reducida escala cromática (blanco y negro)

Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Op-art
http://es.wikipedia.org/wiki/V%C3%ADctor_Vasarely

Pop Art

El Pop-art o arte pop es un movimiento que surge a finales del año 1950 en Inglaterra y Estados Unidos y que se caracteriza por emplear imágenes y temas del mundo de la comunicación de masas.
Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática.
Las fuentes del pop beben de la realidad cotidiana del momento, de la cultura de masas que nace de la industria de la reproducción; todo el mundo podía ver imágenes continuamente con lo cual la sacralización de la obra de arte dejaba de ser algo que tan sólo se viese en los museos. Estos artistas intentaban buscar imágenes sencillas y reconocibles y elevarlas a la categoría de arte.
El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.
Cualquier cosa se podía repetir y reproducir hasta el infinito, artículos y retratos de personajes de la alta sociedad. La reproducción de la obra de arte es una de la bases de este estilo. El retrato, como sucedió en épocas exteriores, toma una gran fuerza. Todas las personas relevantes ansiaban tener su propia visión pop.

Algunos artistas Pop:
Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Richard Hamilton, David Hockney, George Segal y Claes Oldenburg.


Andy Warhol

Andrew Warhola (Pittsburg, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad.
En cuanto al arte Andy Warhol utilizó fotografías de prensa contemporáneas y las repitió múltiples veces en la misma superficie arrancándolas de su contexto habitual y trasladándolas al dominio del arte. Describió así la deshumanización que practican los modernos medios de comunicación de masas.
Lata de sopa Campbell convierte un objeto de uso cotidiano, una sopa de tomate, en icono de la cultura pop.
Realizó numerosos retratos como los de Mick Jagger, Jacqueline Kennedy Onassis, Elizabeth Taylor o Marilyn Monroe, de la que hizo una serigrafía basada en un original fotográfico de su rostro.

Un ejemplo de sus obras Pop Art es la imagen de arriba, un retrato de Marilyn Monroe, que se caracteriza por usar colores brillantes y por representar a la moda y consumismo de los 60's.

Fuentes:
http://www.arteespana.com/artepop.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_pop
http://www.navedelarte.com/estilos/popart.htm

Surrealismo

El Surrealismo (en francés: surréalisme; sur [sobre, por encima] más réalisme [realismo]) o superrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton. Buscaba descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando imágenes para expresar sus emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico.

El Surrealismo trata de plasmar el mundo de los sueños y de los fenómenos subconscientes. Este sector recóndito del ser humano se considera apto para el análisis artístico. Breton intenta descubrir las profundidades del espíritu. Así lo pone de relieve en su Primer Manifiesto del Surrealismo (1924): "Creo en el encuentro futuro de esos dos estados, en apariencia tan contradictorios, como son el sueño y la realidad, en una especie de realidad absoluta, de surrealidad". El Surrealismo no sólo afectó al mundo de la pintura, sino también al cine, la fotografía, el teatro, la poesía... . El resultado es un mundo aparentemente absurdo, alógico, en el que los fenómenos del subconsciente escapan al dominio de la razón.

Características del surrealismo: Animación de lo inanimado, metamorfosis, aislamiento de fragmentos anatómicos, máquinas fantásticas, elementos incongruentes, perspectivas vacías, evocación del caos, el sexo y lo erótico se trata de modo lúbrico, autómatas, espasmos, líbido del inconsciente y relaciones entre desnudos y maquinaria

Artistas surrealistas: Salvador Dalí, Joan Miró, Duchamp, Max Ernst, Marc Chagall, Giorgio de Chirico, René Magritte, Yves Tanguy, Paul Delvaux,etc.



Salvador Dalí (1904-1989)

Dalí es más escandaloso y extravagante de todos los surrealistas. Sus cuadros presentan figuras imposibles fruto de su imaginación.
Le caracteriza la provocación y su método "paranoico-crítico". Su primera etapa surrealista es furiosa y ácida, las formas se alargan, se descomponen o resultan de apariencia equívoca. Utilizará alusiones al sexo y la paranoia. La sangre es más dulce que la miel, La persistencia de la memoria, El ángelus arquitectónico o Premonición de la Guerra Civil.
También son característicos sus relojes blandos, sus altas y destacadas figuras sobre un lejano horizonte y las vistas de Cadaqués.
Más adelante su estilo se hará más barroco en Leda atómica y en El Cristo de San Juan de la Cruz, donde el sentido de la composición y del espacio es más clásico, pero siempre inquietante.
Su pintura resulta excepcional en sus calidades plásticas por la corrección en el dibujo y por la presencia de la luz, transparente y limpia.


La persistencia de la memoria, conocido también como Los relojes blandos es un famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí pintado en 1931
Los relojes, como la memoria, se han reblandecido por el paso del tiempo. Son relojes perfectamente verosímiles que siguen marcando la hora.

Fuentes:

http://es.wikipedia.org/wiki/Surrealismo
http://www.arteespana.com/surrealismo.htm
http://www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/arte_sXX/vanguardias1/surrealismo.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD
http://es.wikipedia.org/wiki/La_persistencia_de_la_memoria